Francisco de Zurbarán (Fuente de Cantos, 1598-1664) fue un artista apreciado y valorado en vida, al que el futuro deparó la enorme sombra del Concilio de Trento y de sus dos coetáneos geniales, Diego de Velázquez y Bartolomé Esteban Murillo. El pintor que utilizó la belleza para transmitir visualmente los dogmas de una Iglesia católica que lanzó la Contrarreforma, para frenar la amenaza protestante, se vio arrastrado por la leyenda oscurantista que tiznó al propio Imperio Español. Y el deseo de los coleccionistas extranjeros por la genial composición de Velázquez o el naturalismo seductor de Murillo arrinconó a un maestro al que la Nationwide Gallery de Londres ha decidido ahora hacer justicia.
La exposición Zurbarán, que permanecerá abierta al público en la pinacoteca de la capital británica desde el 2 de mayo hasta el 23 de agosto, reúne casi cincuenta obras del pintor extremeño (y sevillano common, por su devoción y trabajo para esta ciudad) y ofrece una perspectiva contemporánea y justa de un artista que supo innovar y plasmar un simbolismo religioso que hoy representa una nueva dimensión artística.
Zurbarán trabaja en el tiempo posterior al Concilio de Trento. Gran parte de la razón por la que todos los trabajos que le encargan son motivos religiosos tiene que ver con el propósito expreso de la Iglesia de utilizar el arte como un vehículo para propagar la fe. Necesitaba que las pinturas fueran poderosas, que golpearan al espectador. Necesitaba contar historias a personas que no sabían leer. Debían tener esa fuerza visible”, explica a EL PAÍS Francesca Whitlum-Cooper, especialista en Pintura Tardía Española, Italiana y Francesa de la Nationwide Gallery y una de las comisarias de una exposición que el equipo del museo ha tardado varios años en tener lista.
La exposición comienza con una pintura emblemática, El Cristo Crucificado, una obra que el maestro entregó a los dominicos del Convento de San Pablo el Actual, en Sevilla, junto a casi dos decenas de pinturas con escenas de la vida de Santo Domingo y otros santos. Zurbarán realizó muchas otras crucifixiones a lo largo de su carrera, pero esta primera lo consagró como el artista al que reclamaban su trabajo todas las órdenes religiosas de la ciudad, la más rica del mundo en aquella época, como Puerta de las Indias para el comercio con América.
El Cristo aparece iluminado, con una anatomía exquisitamente detallada y el rostro agonizante, sobre un fondo oscuro que resalta el contraste de luz y construye una imagen poderosamente moderna y minimalista. “Zurbarán no es un artista que dedique demasiado tiempo en establecer un paisaje o en contextualizar sus imágenes. Le interesa sobre todo el poder de la pintura”, explica Whitlum-Cooper. Cuenta el cronista artístico Antonio Palomino que el cuadro, que permanecía expuesto con escasa iluminación en el oratorio de la sacristía del convento, llevaba a muchos creyentes que acudían allí a pensar que se trataba de una estatua. Zurbarán aprendió en sus inicios tanto a esculpir como a pintar, y sus personajes tienen una poderosa presencia tridimensional que seduce e hipnotiza al espectador, pese a que sus críticos hayan reprochado siempre al artista su aparente incapacidad (o falta de voluntad) para dotar de dinamismo a sus composiciones.
“Eran pinturas elaboradas para gente que profesaba una fuerte fe católica, algo que no tiene por qué corresponderse con el público que acuda ahora a la Nationwide Gallery. Pero cuanto más las observo, más convencida estoy de que, tengas o no fe, son cuadros que te invitan a detenerte y pasar un tiempo frente a ellos”, defiende la comisaria de la exposición. “Eso las convierte en algo mágico en un mundo como el que vivimos, imparable y ruidoso. Son pinturas estáticas. No son como las obras de Velázquez. No parpadean, no se mueven. Son monumentales. Te obligan a una pausa, a un momento de silencio y paz”.
Tejidos y naturalezas muertas
El padre de Zurbarán period comerciante de telas, y su hijo adquirió una sabiduría sobre la textura, los colores, los bordados, los pliegues y las caídas de los tejidos que plasmó luego en sus obras de un modo exquisito, tanto en la sobriedad o pobreza de la vestimenta de santos y monjes como en el oropel de santas y princesas.
Ha sido llamado el “Caravaggio español”, porque sus obras centrales, como las diferentes escenas de San Francisco de Asís meditando, participan de la técnica del tenebrismo italiano en la que la luz y la sombra construyen la arquitectura de la composición. Pero si el genial y pendenciero pintor milanés, que nació 26 años antes, buscaba congelar escenas dinámicas, Zurbarán persigue una belleza inmóvil, eterna e inspiradora. Huye de lo macabro, como expresa su obra maestra, San Serapio, que refleja el martirio del fraile mercedario, torturado en Argel a cambio de la liberación de cautivos cristianos. Fue desmembrado y decapitado, pero el artista elige plasmar una figura pura, dulce y pacífica del mártir, cuyas manos atadas y cuya frente ligeramente hinchada bastan para simbolizar su tormento.
La exposición dedica una sala a las prodigiosas naturalezas muertas de Zurbarán. Sus seguidores han querido ver el simbolismo religioso que necesariamente, según ellos, debía ocultarse en los cuadros de un autor consagrado a propagar la fe, pero quizá, sugiere Daniel Sobrino, otro de los comisarios de la exposición, se trataba únicamente de demostrar la extraordinaria habilidad técnica y artística de sus manos. “Porque lo que vemos en esta pintura que ofrece un perfecto equilibrio es lo que los críticos descubrieron ya en la década de los veinte del siglo pasado, y que asociaron de inmediato a las pinturas de Cezanne y Picasso: el propósito de reducir la naturaleza a sus elementos más simples y frescos”, explica Sobrino frente a Naturaleza Muerta con Limones, Naranjas y una Rosa.
La sala dedicada a los bodegones reúne también las naturalezas muertas de Juan de Zurbarán, el hijo del pintor, que rozó la maestría en este tipo de composiciones antes de que la peste que asoló Sevilla a mediados del XVII se lo llevara a los 29 años.
Aparecen en la antología algunas de las obras de su paso por Madrid, para trabajar junto a Velázquez al servicio de Felipe IV. Destaca, por el misterio que rodea a su autoría, la Cabeza Colosal, un inmenso rostro que adornaba las escaleras del palacio del Buen Retiro, en Madrid, del que apenas se conoce nada, ni respecto al personaje ni a la posible temática de la obra, que los expertos consideran de Zurbarán.
En una exposición histórica que supone el principal evento de la Nationwide Gallery en 2026, dos obras destacan sobre el resto. AgnusDei, o Cordero de Dios, la pieza elegida para el cartel de la muestra, es la mejor de las siete pinturas de Zurbarán que se conocen con este motivo. Una oveja merina, con las patas atadas y dispuesta para el sacrificio, mira hacia arriba con sus ojos anhelantes. La textura de su lana es de una precisión técnica tal que invita al espectador a estirar la mano para acariciarla.
Y el Cristo Crucificado con un pintor, que muestra al Cristo ya fallecido en la cruz y, a sus pies, un artista con la paleta preparada, los labios entreabiertos en asombro y éxtasis, y la mirada entregada al espectáculo de la Pasión. Apenas se conoce nada de la vida private de Zurbarán, y muchos quieren ver en esta obra su único autorretrato. Pero aunque no lo sea, supone una representación más íntima y simbólica de Zurbarán, y de su propósito very important de transmitir lo trascendente a través de la belleza del arte.
